《自画像》是一篇令人深思的文章。作者通过自我反思和描绘，展现了自我认知的重要性。在自画像中，作者表达了对自己内心的深刻理解和探索，同时也引发了对人类自身存在的思考。这篇文章通过独特的视角和细腻的描写，引起了读者对自我意识和自我发现的思考。
自画像读后感(一)
在那个没有照相机的年代里，拥有一张肖像画可以说是令人歆羡的事情。而身为画家，则拥有常人不敢想的便利，他们可以把自己的肖像画出来，于是便有了自画像。
在这本《自画像》中，为我们揭秘了自画像的历史。透过这本书，你可以了解艺术家眼中的自己，他们可能捕捉了某一时刻、也可能是一个事件！这些画作可能天马行空，也可能展现了艺术家真实的一面。但无论如何，如果你打开这本书，你就认识艺术家不为人知的一面。
文森特·凡·高与《耳朵绑绷带的自画像》
你对谁的画像印象深刻？凡·高的“一只耳”算是我比较深刻的自画像了，很难想象凡·高在割掉耳朵后没有将重心放在疗伤上，反而将这样的自己记录了下来，没有人知道他当时的心情，只有画作记录了当时凡·高的模样以及精神状态。
迭戈·委拉斯凯兹与《宫娥》
在大师的自画像中，我觉得迭戈·委拉斯凯兹的自画像最有意思，他将自己的自画像藏于为皇室创作的《宫娥》之中，在这幅画里，委拉斯凯兹依旧是画家的角色，他不仅构成了这幅画，同样创作着这幅画。可以说非常有意思了！
弗里达·卡罗与《剪发自画像》
说完了男艺术家，让我们来聊聊女艺术家！弗里达·卡罗的画作中，拥有很多关于自己的画作，如果你了解她的经历，真的很难不被打动。所以她的画作是她与命运的抗争！在一副自画像中，她减去了头发，穿上了西装，眼神坚定，这在1940年的墨西哥，这意味着遭到抛弃或者是羞辱，但她坚毅的眼神却告诉我们，离开男人，她依旧可以做她自己！
书中集合了众多优秀艺术家的自画像，创作主题无数，形式多样，不仅探索了自画像的演变发展，也探讨了艺术家富有独创性的方法和视角，以及随着作品产生的引人深思的问题。
对于对艺术感兴趣的人来说，这是一本艺术入门好书；对于艺术专业的同学来讲，在这些自画像中你可能会重新认识某位艺术家，并且了解他们背后的故事。
艺术从来都为了表达自我，而自画像则是非常明显的一种方式。透过自画像，我们可以了解艺术家的样貌以及他们创作背后的思想与精神，同时感叹于他们厉害的绘画技巧！
自画像读后感(二)
在《道连·格雷的画像》中，“段子手”奥斯卡·王尔德说：“每一幅倾注情感创作的画像都是艺术家的自画像，而非模特的画像。模特只是偶然……在画布上，画家揭露的只是画家本人。”王尔德的这句话揭露了这样一个事实：画家总是有股绘描自己的欲望，这并非在一种修辞意义，而是字面含义。也即，很多画家都留下了自己的自画像，尽管我对绘画一窍不通，也看不过不少这类作品，如梵高的《耳朵绑绷带的自画像》、大卫·霍克尼的《蓝吉他自画像》。
恩斯特·勒贝尔的《自画像》是一部专门关于艺术家/画家的自画像的作品集，共收录了32幅世界著名的肖像画，从中世纪到现代、从玻璃镶嵌到现代绘画，涵括了多种类型与风格的作品。很多人像我一样是绘画艺术的门外人，但没关系，即使对绘画一窍不通，每幅自画像都配有详细的文字说明，包括创作背景、画作分析与意义阐释等。
从更深层的意义上，自画像不仅是将自我投射到画布上，更是审视自我的一种途径。艺术家们在“刻画”自我的过程中，也是在剖析自身，重新认识自我。正如序言中所说，艺术家的自画像是种思考的手段，还是一面终究归于黑暗的虚无，一面“虚假的镜子”。自画像证明了艺术家的自我既可作为画作的原型和主题，又可与他人产生联系。画集既描绘出他们希望在旁人眼中呈现的形象，又将自己与他人区别开来。
在漫长的艺术史中，女性的声音始终是被遮蔽的，试看艺术史上那些伟大的女艺术家，往往无法自主定义自身，而是要依附男权的化身——她们的丈夫、父亲、情人或者合作伙伴，如贝尔特·莫里索被称为“马奈的缪斯”、卡米耶·克洛岱尔被称为“罗丹的情人”、葛饰应为被称为“北斋的女儿”、李·克拉斯纳被称为“波洛克太太”。因此这本书中的那些女画家的自画像反而给我留下更深刻的印象，如帕尔米贾尼诺的《凸镜中的自画像》、罗莎尔巴·卡列拉的《持妹妹乔凡娜画像的自画像》、弗里达·卡罗的《剪发自画像》。
就像弗里达·卡罗所说，“我画自己是因为我经常独自一人，因为我是我自己最熟知的人。”在这些自画像中，艺术家将本人的形象呈现于画布之上，也多了一条我们了解他们的途径，因为这不仅是我们眼中的画家，还是画家眼中的画家。
自画像读后感(三)
一切绘画都是一种自画像，否则它便不再是绘画。
本书收录了米开朗基罗、弗朗西斯科·戈雅、文森特·凡·高、帕布罗·毕加索、大卫·霍克尼等三十余位艺术家所创作的自画像，带着我们随着时间线的推移回溯艺术的世界观，讲述艺术家眼中的自己，帮助我们理解自画像的意义和内涵。
所有人都有其独特的形象，艺术家本人也不例外。如何刻画与捕捉个性，如何表现自己的形象，如何在作品上留下自己的容貌？
最初，艺术家将自己的形象刻画在作品上，作为作品签名的一种自我表达，到了在16世纪初，自画像作为一种艺术体裁达到盛期。
作者在书中从观念、社会、时尚等方面探究了自画像随时代思潮的起伏而发生的变化，并从不同角度深入解读三十多幅作品蕴含的多样反思、元素与神秘色彩，进而让我们认识到艺术史中发生的一系列变革、艺术创作分工的不断深化，以及摄影技术的发明对视觉艺术发展的深刻影响。
自画像是艺术家的一面镜子吗？可以说是，也可以说不是。镜子是15世纪以来的自我观察与自我解读的工具。但正如作者所说，自画像从来不只是镜子中的映像。今天，每个人都能都能用数码相机来制作自己的图像，从某种程度上来说，每个人都是自画像画家，但这本身并不是艺术。
绘画过程是一种自我呈现和被塑造的过程，经历了充满了神秘的陌生感。那些作品融入了艺术家无与伦比的绘画技艺与思考，融合了他们丰沛的情感与专注的投入。它们代表着艺术家的天赋与灵性的呈现，也使得每一份作品都是独一无二且不可复制的，哪怕艺术家本人也不行。
自画像是一种纪实与虚构的结合，即能体现出社会与集体的意识，又包含了艺术家强烈的表现力。艺术家将个人才华、信仰和生活融在作品中，呈现的却是艺术历史的种种片段。
编者从作品中的光线、场景、服装与表情等元素解读艺术家的自我观察、审视和内心呈现，也让我们从中窥见几个世纪以来画像标准的转变，以及不同时期所推崇的艺术理念。
平时面对众多艺术家不计其数的作品，我们该从何入手？其实自画像是一个不错的切入点。
这幅画究竟在讲述什么故事？
画面中的物品与自画像有什么关系？
艺术家眼中的自己是怎样的？
作品本身已经给出了答案……
自画像读后感(四)
艺术家们对自画像的外在表现，极致的审视自己的身份，以这样的方式观察内在情感的深刻。肖像画家希望在平面上，绘画出肖像的内心世界，可就算他们得到许可，拥有特殊的权利，也很难描绘中让他们满意的具象化完美。
自画像是艺术家为自己所绘的肖像作品，西方绘画传统中的自画像，于文艺复兴时代为人瞩目，当时自画像被称为“镜中肖像”。
当画家们在其他作品中，难以捕捉到肖像最真实的一面，他们开始自己画自己。画家们对着镜子作自画像，镜子是判定一切动作与变化真实性的视觉权威。
从17世纪到19世纪，自画像随着时代思潮的起伏发生了改变。许多自画像向世人揭示了地位、角色、职责和意愿之间的矛盾。说两幅我喜欢的自画像：
穿皮衣的自画像——丢勒的自我反思
丢勒这张自画像，画中的每一处细节都做了精心的设计，卷发、皱纹、皮肤、光线……尤其是脸，没有丝毫表情，他平静看着前面。
在丢勒自画像的一侧，用金色古体写着：“我，纽伦堡的阿尔布雷希特·丢勒，在28岁这年，以适合我的色彩画出了我自己。”
丢勒《穿皮衣的自画像》将自己视为人类的典范，艺术家，最接近上帝的人。通过这幅含义深刻的作品，总结了他深刻的自我反思，表现出一种理想的对基督教艺术的人格化表现。
持调色板的自画像——毕加索充满生命力的灵魂
毕加索持调色板自画像的头被画成椭圆形，短平头，直勾勾大而无神的眼睛，画中的背景一片混沌灰暗，整幅画给人的感觉是毕加索处于一种麻木、机械缺乏创作激情的精神状态。
这张1906年的自画像，毕加索以他自身进行实验，迈出了追寻真理的第一步。他沉迷宗教的雕塑和非洲的木刻，毕加索发觉神秘的丑陋才是充满生命力的灵魂。
《自画像》按照时间顺序，详细解读了30多幅自画像，《摩西和燃烧的荆棘丛》、《米开朗基罗的人皮自画像》、《有虚空象征物的大卫·贝利自画像》……
如今我们都能用数码相机为自己拍照，在一定程度上说，每个人都是自己的自画像画家。但这与艺术家们的自画像不能等同，他们用精神、思考甚至拷问灵魂的方式，孤独大胆的精心营造色彩。他们一边在反抗自己，一边在创新中描绘自己。
画家与自画像中的自己，自我观察与自我解读，正如奥斯卡·王尔德在《道林·格雷的画像》中说：“每一幅倾注情感创作的画像都是艺术家的自画像，而非模特的肖像。模特只是偶然，不是他，在画布上，画家揭露的只是画家本人。
自画像读后感(五)
在过去，没有照相机的年代，人们怎么相亲？怎么留下全家福？
这就需要画家的妙笔生花。画家通过光和影以及构图，创作出一幅幅精美的作品。留下无数家庭和个人的身影，让他们流传百世。
自画像更是艺术家表达自己的一种方式，特别是照相技术普及以后，自画像的自拍的功能完全让位给画家的艺术创作。
那么，自画像是怎么发展起来的呢？谁是“自拍”狂人呢？《自画像》副标题《基础艺术05》告诉你答案。
《自画像》是TASCHEN出版社出版的艺术入门书籍系列之一。该系列是TASCHEN出版社经久不衰的图书系列，自1985年出版的《毕加索》以来，一直受到全球读者的追捧，如今这一系列已包含200多个主题，被翻译成约20种文字。
《自画像》开篇是整体介绍，让读者了解自画像的起源，发展和变化，好理解又有深度。接下来分别选取了三十多位画家的自画像，让读者有了整体印象之后，对具体的作品进一步欣赏和理解。
在那个还没有艺术家称呼的时代，画家、建筑师都属于匠人，他们绘制的画作、雕琢的作品，是不允许署名的，于是，很多艺术家选择将自画像融入作品中，作为另一种署名。
随着时代的变迁，当艺术家终于有了署名自由和创作自由的时候，自画像成为艺术家表达自我意识和想法的方式之一。
如果你以为自画像只是一个人规规矩矩或站或坐的半身像，那么你就错了。画家会通过描绘场景并让自己置身其中来展现自己的喜好、功勋、地位、意识、情感等。即使脱离群像的自画像，画家也会用转身望向画面之外、描绘正在绘画的场景之类的方式来创作自画像。即使是最中规中矩的半身像，也会通过背景、服饰、首饰等媒介来丰富自画像，更好地表达自我。
书中内页实拍
那么，具体到某位画家，他/她又是如何来构图、表现的呢？
作为“人形照相机”的丢勒将他的自画像绘制得极为完美。他的自画像真人等大，庄严自负。通过完美对称以及几何学上的平衡（脸是椭圆形，头发是三角形，躯干是长方形，而领子构成了一个角）达到构图上完美的平衡和稳定。这幅穿着盛装的自画像，彷佛就像是神降临人间一般。
书中内页实拍
面具与个体似乎是对立的。艺术家十分重视它们间的区别。但是，有这么一位画家，他的自画像用面具来展现自己同流不合污，“世人皆醉我独醒”的意境，同时也隐喻了那些曾经嘲笑他的批评家。这位画家就是詹姆斯·恩索尔。
书中内页实拍
墨西哥画家弗里达·卡罗的作品是超现实主义肖像与墨西哥象征主义民间艺术的重要组成部分。虽然画家本人一直反对这种归类，但恰恰是这些风格标签让她家喻户晓。画家有着悲伤的人生，经历过严重的车祸、失败的婚姻、猜忌和酗酒，几乎一生都要依靠轮椅。但正是这些经历，让她的作品充满了张力和感染力。在她的自画像中，画家描绘了剪掉长发的自己。在画家所处的时代，遭到抛弃或者剪发意味着羞辱。那么，画家为什么还要画一副剪发的自画像呢？答案在画面中最上面的歌词。此时的艺术家刚刚离婚，而歌词表现的便是类似的主题。不过，通过这幅自画像我们可以感受到画家并没有因此而自卑，反而直面观众，展现出自尊自重之感。
书中内页实拍
如果你喜欢欣赏艺术作品，如果你想更深入了解艺术作品，如果你想知道更多画家自画像背后的想法，不妨翻开这本《自画像》。
自画像读后感(六)
艺术史上有很多传奇的自画像。
印象比较深刻的是凡·高、丢勒、弗里达和伦勃朗。
凡·高的几幅自画像都很有名，有在画架前的，有叼着烟斗的，有陷入深蓝漩涡的，有隐入黑暗的……，给人的整体感觉是忧郁、压抑。
丢勒是因“自画像”而出名的，他被称为“自画像之父”，他成年后的几幅被大众所熟知的自画像宗·教色彩都比较浓厚，是神圣安详中带点睥睨的。
伦勃朗一生自画像也很多，存于巴黎卢浮宫、创作于1660那幅自画像，伦勃朗戴着白色的帽子，身体隐在黑暗中，脸部光线明显，整个画面庄重又细腻，细腻在于伦勃朗那双破碎又忧郁的眼睛，就像是他内心的写照。
而弗里达则是一个女性艺术家，在她的自画像中，可以看出，她眉心连成一线，有轻微的小胡须，很有特色，但是可能是受家庭、身体健康的影响，她的自画像给人严肃又坚强的感觉。
除了这些，艺术史上，还有哪些有名的自画像呢？艺术家又是出于什么目的而进行绘制的呢？
最近，读了“TASCHEN”基础艺术系列的《自画像》一书，对自画像有更进一步的的了解。也欣赏到了更多艺术大师留下来的有特色的自画像。
书籍集合了众多优秀的艺术家及他们的自画像，包括丢勒、格拉赫斯大师、米开朗基罗、卡拉瓦桥、伦勃朗、爱德华·蒙克、安迪·沃霍尔、弗朗西斯·培根等。书中探讨了这些艺术家的自画像风格、艺术风格以及艺术家们对自我形象的表达的演变过程。
有些艺术家的“自画像”在展示身份，如安东尼·凡·戴克、鲁本斯等都在自己的自画像中用细节展现自己的贵族身份，不过值得一提的是，他们不是毫无风度的炫耀，用平静的神色调和了自我展示，在风度和地位之间找到了一种平衡。
有的艺术家的“自画像”展现出了自我怀疑的态度。米开朗基罗并没有画过一幅真正意义上的自画像，但是在宗教画中，他会把自己的脸隐藏在人物中，成为殉道者，并以此展现自己卑劣的生命本质、痛苦的生命的本质。另一个艺术家卡拉卡乔在自画像《持歌利亚首级的大卫》中扮演了丑恶，让自己化身为歌利亚，这幅画很有冲击力，艺术家承认自己的丑陋，希望得到拯救。
有的艺术家的“自画像”表达了自己的思想。萨尔瓦多·罗萨的自画像《哲学》上写：“就算你一言不发，你仍是个哲学家”，画中的他忧郁、沉默、严肃、疏离，因为世间充斥着闲言碎语而痛苦。洛维思·柯林特在《有骷髅的自画像》中借用了“凡人终有一死”的意象表达出自己对死亡的思考。
还有的艺术家喜欢在自己的作品中偷偷加入自己的脸或者名字。乔多维茨基喜欢将自己描绘为角落中刻苦的观察者。菲利波·利皮修士在作品《圣母加冕》中将自己画为一个民众，但是与虔诚的众人不同的是，他将自己的脸面对观众，且带有挑衅色彩。这些“自画像”都展现了艺术家当下的心境。
书中对不同艺术派别的“自画像”表达手法、自画像的各种寓意都进行了解说。
回到书籍开篇的问题：艺术家的自画像是种思考的手段，还是一面终究归于黑暗的虚无？
在我看来，艺术家的自画像是自我展现，包括外表、思想、人生，是自我窥视，是对全面自我解放的渴望。
自画像读后感(七)
过去的艺术家，论身份地位不可与今日的相提并论。“艺术家”的概念15世纪才出现在欧洲的文化领域。在此之前，那些从事绘画、雕塑、织毯、制作珠宝和器具的人主要是工匠，在中世纪时，甚至可能是僧侣。他们接受委托创作，虽然从事需要创造力的工作，却很少能自由地表达个人意志。
最卑微的工匠，也有声名鹊起的梦想。为了能实现“青史留名”，他们尝试过各种办法。
最初，古代的工匠会在陶器或雕塑上刻下“这是某某之作”。简单的签名中，洋溢着满足和自豪。但是，“小手艺人”在作品上签名以求出名的举动，引起了一些人的厌恶。14世纪末的时候，意大利诗人但丁还说：“连小手艺人都热切地想要出名，难怪画家都要把自己的名字留在作品上。”有鉴于此，艺术家不得不用上一点“巧思”。
据古罗马著名哲学家西塞罗记载，雕塑家与建筑师菲狄亚斯为了维持自己的名望，在为雅典卫城雕刻雅典娜雕像时，将自己的形象刻在了雅典娜的盾牌上，“因为他不被允许刻自己的名字”。
15世纪文艺复兴早期的画家贝诺佐·戈佐里，虽然并非一流的艺术家，但与当时的权贵的交往密切。1459年，戈佐里受美第奇家族的委托，为其私人宫殿中的礼拜堂绘制湿壁画。其中一面墙描绘了《三王来朝》的故事，画面中包含众多的人物。而有一个人非常特别——他目光锐利地看向外面，头戴的帽子上写着几个字，直译就是“贝诺佐之作”。他为自己选的位置也是经过深思熟虑的——位于画面左侧的人群中，既不特别靠前，又能确保自己被人发现。对于看画的我们来说，他既是画面的一部分，也是画家对自身存在的“宣言”。
修士菲利波·利皮·将自己画进了教堂祭坛的屏风中，成为圣母加冕场景周围的“群演”之一。他将自己画在一位虔诚的人物后面，但姿势并不怎么优雅——右手托着腮帮，略带挑衅地看向外面的观众。20世纪的艺术评论者分析说，他是有意识扰乱观众与圣母之间的信仰关系，把观众的目光吸引到自己的身上。
文艺复兴推动了艺术家地位的提高，艺术家个人意识的觉醒，催生了很多像戈佐里这样高调宣扬自身独立存在的艺术家——吉尔贝蒂、达芬奇、丢勒、安德烈亚·曼特尼亚，等等。而自画像，就成为他们自省的宣言。
在数百年的艺术发展史中，自画像也作为一种独立的绘画题材，在无数的艺术家笔下，被赋予各自的内涵。《自画像》这本画册，精选了自12世纪至当代的33幅艺术家自画像——从中世纪德国的格拉赫斯大师在教堂上彩绘玻璃上留下的自画像，到典型的格哈德·里希特风格的自画像，展现了不同艺术家对这一题材的个人化演绎，乃至对自我的审视。
自画像读后感(八)
自画像是艺术家通过对于自己样貌的观察，感受，用其独特的绘画风格，把对于“我”的独特解读呈现在纸面上。通过艺术的形式，将镜中的和艺术家眼中的自己表达出来，才有了丰富多彩的自画像形式。
后浪艺术基础系列的《自画像》这本书展示了自画像艺术的发展变化，自画像所体现出的意义和这种意义如何被应用于画面如何被阐释，还涉及了多位艺术家的人生经历，艺术变化，寄托于自画像作品中的思想情感 。
作者在导论篇《艺术家眼中的自己》中就将自画像的发展，通过对多位艺术家的不同表现展现出来。从15世纪至现今加入电脑制作等。
