《走进宋画：10—13世纪的中国文艺复兴》是一部介绍宋代绘画的著作，探讨了中国艺术在这一时期的繁荣和创新。通过对宋代画家的作品和风格进行分析，揭示了他们对自然、生活和人文的独特表达方式。这本书引领读者深入了解宋代绘画的精髓和文艺复兴的重要性。
走进宋画：10—13世纪的中国文艺复兴读后感篇一
收到李冬君老师的《走进宋画》，看了许久，生出许多感动。往下有点期待她写一写唐诗。她的文字，辽阔且有种电影叙事感，宋画，人物，以及历史缓缓打开。宋画与历史中厚重的美，与她深情且理性的文字，浑然一体。
故事感，情感的朴实，知识的密度，岁月的痕迹，都恰到好处般，落入心。落入夜晚。
她写的范宽，让我泪目，再也不可能有人比冬君老师理解得更深刻了。这种理解不仅仅是对知识和绘画技法的熟知，而是一种天赋。你要站在范宽那座山上才能体悟的情感。
读她的书，让我想起高中每个寒暑假，去北京济南学画画，我站在美院的门外，往里看各种雕塑，摆件，那么美，那么远。我看了很久很久，身后落了一地的雪，浑然不知。
走进宋画：10—13世纪的中国文艺复兴读后感篇二
不知道为何，对中国画我始终保持着一种迷离的距离，对她既是心向往之，却又无法抵近。在我看来，中国画是最能代表中国美学的载体，或者也可以说，中国画结合了中国的美学、诗学以及禅学。尤其是宋画，更是文人画的造极，宋代的每一位画家，几乎都是高规格的文人，所以宋画可谓是图形之诗，诗之有痕。
所以我独爱这样的画，也独爱这样的画人，自明后，画画俨然已成为一种职业，画家和纯粹文人的鸿沟越拉越大，这也许对画的发展是好的，但对画的韵味却有了伤害，所以宋画独一无二的地位是可见一斑的。
《走进宋画》是我之前的老东家华文书局今年重磅推出的书籍，就算抛开实打实的内容不讲，光是眼睛能看到的，就知道用料奢华，色彩精美，是足可用来典藏的好书。
李冬君教授在本书中选了宋之三十位文人画家，100多幅宋画，涂抹人物故事生平，勾勒中国文化脉络，纵论绘画与思想与文化的激荡，再点染一抹宋朝烟水气息，才终于成就这一本既能高绝出尘，又能人间烟火的大作。
见之即是十分有幸，何况更能亲手触摸，亲眼饱览呢？
走进宋画：10—13世纪的中国文艺复兴读后感篇三
这本书是都靓推荐的，恰巧对绘画题材又非常感兴趣，就找来阅读了。果然让人惊喜的一本书，也喟叹自己对丰富的中国绘画了解甚少。这本书帮我补了不少课! 读完这本书有一种感叹，就是我们近年包括历史书，对外国的介绍流行实在覆盖掉了很多中国已有的精彩部分，中国绘画着实有无比惊艳的一面，文艺复兴达芬奇，米开朗基罗，拉斐尔等的传播实在盖住了同时期中国本土这些了不起的画家风头! (就像电影，服饰时尚，，，，诸如此类的中国自身有很多自身的特色和优势真的应该发扬，尤其最近一两年更多的学习历史诗词，发现中午五千年的文化沉淀，真的有太多瑰宝。实在不应该蒙尘!) 这本书了解到原来从李煜到宋徽宗还有后来的南宋，是有那么大一批优秀的画家和作品的。鼎鼎大名苏轼的绘画也只是略略提及。 这本书对普通读者真的特别友好，把诗词，历史，人物故事，绘画本身的介绍结合的非常好。文字也易读，不会有枯燥感。还会附有相对应的绘画，更加增加了这本书的可读性。(从李煜，李公麟，米芾，宋徽宗，，，赵孟坚。一大批人物和故事极绘画都有涉及!极丰富) 这本书提到了王希孟的《千里江山图》并大胆有理有据的推测是宋徽宗十八岁的作品。虽然不那么同意(实在出人意料)。但是推测的论点还是有理有据很有说服力的。 总结:对中国绘画题材感兴趣的读者非常推荐!
走进宋画：10—13世纪的中国文艺复兴读后感篇四
《走进宋画》是一本介绍宋代绘画的新书：
《走进宋画》是一本深入浅出的艺术史好书，不仅具有学术价值，也适合广大读者阅读，是了解宋代绘画和中国传统文化的一本必读之作。
走进宋画：10—13世纪的中国文艺复兴读后感篇五
看中国古人的书画，能看出他们在想什么吗？
当然能。
在没有摄影录像等技术作为纪事支撑的过去，绘画是时人记录日常或重要事件的方式。绘者不必都受过专业训练，甚至不必识字，最开始的图像纪事者也没有人可以指导，没有任何经验可以借鉴。初始可以说是全凭一身热爱与信仰，而后则是在自身不断积累的经验中，摸索出可叙事、能形似的图像纪事手法。随着文人士大夫群体形成与壮大，历史中的中国在他们的笔下有了多样的轮廓。
中国经历过一个个不同的朝代，历史悠久。每一个朝代都有自己的绘画意图与风格。记录日常、召唤神灵、规训世人、神人合一（把供养人画于画中，与佛与神灵同在）……早期画师或画匠在追求神似形似的路上默默奋斗，后来文人执笔，努力解决绘画中的透视与技法问题。直至宋代，不管是写实、叙事还是追求意境，都有了不小的突破，然元明清以后，即便仍有出彩作品，却难再有唐宋时期开放多元的绘画之风，这也是唐宋书画魅力所在。
因此，李冬君专选宋画来解读宋时代与社会，尤其当时文人的精神与思想，是一个很好的切入点。为了凸显宋人的不凡的精神世界，李冬君将其与西方“文艺复兴”比拟，在前人给定的“中国文艺复兴”基础上，为“文艺复兴”之宋做了进一步的阐释。总而言之，宋人在书画创作上有了自我的意识，这种意识在等级分明的传统中国社会里，含蓄婉转地存在着，是宋人给予书画的“养分”，让它们有了不同于以往的生命力。
我们总以为，经典的文艺作品是在万般苦难中诞生的，但事实并非如此。正如著者所发现，皇家对书画的重视是促进书画兴盛发展的重要因素。两位皇帝李煜与赵佶，文艺造诣与对艺术的推崇皆为后人所知，都称他们是被皇位与政治耽误了创作的艺术人才。以李为起始，以赵为终结，可以说是宋代文艺发展的时代划分，亦是全貌的展现。在这过程中，南唐入宋的画者有他们自己的坚守；为宋廷服务的画者一边遵循皇家的要求创作，一边将自身对古书画、现实景象以及自身处世心境的理解与处理融于画中；在野者也尝试以画笔来挥毫内心不得志的落寞，也有对现实的不满……这看似百花齐放的创作景象，实则是众人诠释悲剧，寻找破局的解题方式。自此后，明代总以宋廷沉溺书画（其实只有宋徽宗）为警示案例，加紧对权力与民众思想的控制，难再有让人耳目一新的突破前人之作。即便清代乾隆帝高调表现出对书画的喜爱，显然已少了宋徽宗那样的品位。
都说“一千个读者有一千个哈姆雷特”，读中国书画又何尝不是。古人擅长婉转表达而不爱直言直语，这不仅为后人留下许多想象空间，也让想走进他们内心的人，必须下一番苦功方能如愿。了解中国历史，读古书画是其中一个重要的方式。既然是“读”，那便不是简单的欣赏画面内容即可，而是通过画中一人一楼一山一水一树一物等等细节，了解中华文明与礼仪的同时，探究画者心中意——他们在画中构筑了自己的精神世界，超越时代，与你我同在。而李冬君对宋画的了解与诚意，便都在其著作《走进宋画：10—13世纪的中国文艺复兴》中一一体现。
走进宋画：10—13世纪的中国文艺复兴读后感篇六
这本书很有趣，里面的一些推测简直颠覆了以往的认知。
比如《千里江山图》。虽然过去已经有无数关于它的解读了，但目前来说，我还是觉得《走进宋画：10—13世纪的中国文艺复兴》这本书里的讲述才是最有趣的。
无人不晓，《千里江山图》是北宋王希孟创作的一幅流传至今的中国十大名画之一。但是，在《走进宋画》这本书里，李冬君老师发出了不一样的“声音”：有没有可能，真正的作者“不是”王希孟？或者，王希孟还有另外一个身份——当年18岁的赵佶，也就是著名书画家宋徽宗呢？
为什么会出现这样的猜测？
众所周知，这幅画长达12米，并且所用绘画的材料均是上等材料，而当时的王希孟只是一个普通的小画工而已，想要绘出如此精致、壮观的巨作，似乎不是一个普通人的条件所能办到的。
就算没有见过真正的《千里江山图》，但是仅凭书中描述的内容，我们也能想象这是一幅怎样的画作。
“《千里江山图》，近12米长的巨作，画布是一匹完整的绢料。以淡墨与赭石铺垫，再用青、绿石燃料覆盖山顶，水面汁绿晕染。尤为值得一提的是，水天一色处皆赭，体现了宋代皇家特有的古典雅致，古朴低调涵容了青绿的鲜艳，使青绿雍容而不俗，不用金粉依然贵而不奢……画面叠落多重空间，有六组山参差连绵……”
所以，正如作者在书中所说：“说这幅具有王朝天下观的巨图出自一位出身贫寒的画学生徒之手，还不如说出自一位饱受帝王学培养和政治历练的皇子之手更合理。这种王朝天下的理想样式，这样的江山感，以及‘富有天才，贵为天子’的气象，唯有皇室，才能陶冶出来。”
而且，画《千里江山图》须具备两个必要条件，一是熟悉皇宫建筑，一是了解江南山水。“希孟”的千里江山，有一个最为明显的特征，他将皇宫建筑分布到江南水居民中去。
除了对《千里江山图》真正作者的推测，李冬君老师在书里还叙述了很多精彩的内容，按照历史顺序，分别讲述了五代、北宋和南宋三个时期，解读了近30位名家、近100幅传世经典画作，如《韩熙载夜宴图》《清明上河图》《溪山行旅图》等，每一幅都有详细的解读。
人们常说，宋朝是中国绘画的巅峰时代，如果没有机会真正去体验一次中国美学巅峰的话，那就跟随李冬君老师的这本《走进绘画》，一起穿越过去看看吧！
走进宋画：10—13世纪的中国文艺复兴读后感篇七
“五百年必有王者兴”孟子这一句话道出了历史的周期性，将其放置在文明的角度也同样如此。作为一个连续性的文明，我国历史在不同阶段都出现了文艺高 潮。而这其中，我们不得不提到宋朝。
绘画艺术贯穿于宋朝的精神生活，其审美自由带来了艺术的蓬勃生长。有宋一代，艺术上最闪耀的便是中国山水画的兴起，尤其水墨山水成为宋代绘画艺术的标志，市井风情画从另一种角度描绘了宋代的民间社会相貌。《走进宋画：10-13世纪的中国文艺复兴》一书从五代十国写到北宋再写到南宋，让人们看到了宋朝时期绘画艺术的巅峰。
绘画流派众多，并且具有极强的个人风格。有些艺术家就会有自己的处理方式。例如南唐后主李煜，他有一种特有的水墨笔法，被称为“颤掣势”，现称“颤笔”，又称“战笔”。黄庭坚推崇的除了“吴生勒枝叶”，便是“江南铁钩锁”。“吴生”，是吴道子，“铁钩锁”的主人，便是李煜。
李煜用“一笔三过”之颤笔，将自己从“吴带当风”中解放出来，另辟途径甚至直接影响了南唐画院。唐希雅深谙李煜“金错刀”笔法，学习李煜画竹，却没李煜的精细。周文矩的“线条风格也是从李煜的“颤笔”书法中悟出来的。
当人们钟情于山水时，绘画史又迎来了又一个高潮。对大自然完美的卑从，对艺术完美的卑从使人们放下了自我意识，全部隐匿于山水之中。作者评价范宽的《溪山行旅图》时说“天人之际，是他卑从的起点，在起点上，他完全释放了卑从于天的自我意识，力求其自我无意识的完美。他既能动用自我意识，在尺幅间为山水画构建严谨精致的法度，讲究山水结构以及各种比例关系，又能以一颗卑从之心——自我无意识成为自然的一部分。”
到了赵佶时期，他的画作基本是工笔设色和墨笔写意双管齐下。而他的工笔作画，皆为绢本，写意则用纸本，作小图。并且形成了“宣和体”画风。当代艺术批评大多以“主义尺度”来衡量他的花鸟画，定格为“花鸟写实主义”，并将他的花鸟画格式化为皇家“祈求祥瑞”的政治化的暗示，花鸟画所呈现的审美真谛和艺术价值被刻意忽视掉了……
艺术是中国历史上无价的瑰宝，它所代表的不仅是当时文人的情感色彩和墨宝作品。它更是支撑着我们前行数千年的支撑所在。
走进宋画：10—13世纪的中国文艺复兴读后感篇八
壹
无言独上西楼，月如钩。 寂寞梧桐深院锁清秋。
剪不断，理还乱，是离愁。别是一般滋味在心头。
每当我读到这首《相见欢·无言独上西楼》，会有种孤寂凄凉的感觉。南唐后主李煜的悲惨经历，总是让人为这个末代君主感到惋惜。他的亡国之苦，靠着这简简单单几十个字，就表达出来。
今天我们来分享一本跟李煜有关的书籍--《走进宋画》。这本书是从五代、北宋和南宋三个时期，来研究山水、花鸟、人物等绘画类的发展过程。在这期间出现了很多的著名的文人墨客，他们的作品至今仍在流传。
本书作者是李冬君，历史学者，人称文化江山一女史。主要著作有《孔子圣化与儒者革命》《落花一瞬：日本人的精神底色》等。
从五代十国开始，在那个黑暗战乱的年代，政治格局非常动荡。正因为如此，文化艺术反而得到了一定的发展。宋朝建立以后，那些杰出的艺术家和爱国文人，为文化发展做出了突出贡献。
《走进宋画》可以称得上是一本宋画艺术博物馆，因为这本书里有30位文人画家的生平故事，近100幅世界各大博物馆馆藏传世名画。这种沉浸式的观画体验，可以快速提高我们的审美能力。
一、装帧设计有颜值
我们常说，宋画在中国绘画史上有着独特的表现。没想到的是，这本书的表现，也是如此。如果没看到过这本纸质书，你真的很难想象，它居然可以这么美。
外封全页采用烫金工艺，金线在封面上来回穿梭，代表着现代与传统的交错。内封全页以《玉堂富贵图》覆盖，书脊采用锁线包布。白字在包布上飞舞，显得那么与众不同。这也寓意着五代十国到宋朝时期，文化产业的繁华景象。
二、那些有内涵的名画
翻阅这本书，我对于其中两幅画的印象最为深刻。一幅是《韩熙载夜宴图》，另一幅则是《清明上河图》。如果有人要给你讲讲中国绘画史，那这两幅画就是他的描述中，绕不开的重要标识。
《韩熙载夜宴图》是画家顾闳中的绘画作品，主要是画下了韩熙载在家设夜宴的过程。《清明上河图》作为中国的传世名画之一，反映着当时汴京的城市面貌和人民的生活情况。
作为一部串联思想、艺术、文化的作品，无论是韩熙载和李煜之间的君臣博弈，还是那些底层人民的生活现状，这些细节都在预示着所在王朝最后的结局。
三、隐藏着的那条暗线
我认为这本书有明暗两条主线。主线是绘画类的发展过程。而暗线是从南唐后主李煜和北宋皇帝赵佶身上来回穿插，由两个人在中国文化史的成就，来引出个体与王朝之间的命运联系。
李煜和赵佶是中国历史上的两位不同时期的皇帝，在中国文化艺术史上，都有着重要的地位。李煜以词闻名于世，他的词风格清新脱俗，富有感情色彩和浪漫主义情调。而赵佶既是书法家，也是画家。无论是“瘦金体”，还是文人画，都有赵佶的身影。
作为两位皇帝，他们的政治经历，也是如此相似。同样被亡国，同样被囚禁，在那样的环境下，他们受尽折磨，写下了词和诗。如果有时光隧道，他们都可以从对方身上，看到自己的影子。或许，在他们出生之时，命中注定会这样收场。
《走进宋画》这本书受到中国人民大学历史学院教授孟宪实，南开大学副教授熊培云等众多学者的推荐。
好的艺术，需要传承，更需要创新。在中国的绘画史上，五代十国到宋朝，经历了一次次飞跃式的发展。那些艺术家的出现，为中国绘画史做出的贡献，不容忽视。
宋代文艺复兴的表现形式多样，涵盖了多个领域和门类，为中国文化史上的一个重要阶段，也对后世文化产生了深远的影响。
正如书的封面上所讲，美，是引人向上的终极力量。在生活中，我们缺少的，正是发现美的眼光。
我们应该积极地寻找和欣赏美的存在，让它成为我们生活中不可或缺的一部分。
走进宋画：10—13世纪的中国文艺复兴读后感篇九
我们都知道，传世名画《千里江山图》是北宋少年天才画家王希孟的作品。但是如果说，王希孟其实就是宋徽宗赵佶，《千里江山图》也是赵佶画的，你会不会大吃一惊？
在《走进宋画：10-13世纪的中国文艺复兴》一书中，作者李冬君对宋画进行了深入的研究，提出了这个大胆的猜想。
中国的绘画艺术发展历史源远流长，在宋朝时期达到一个艺术的高峰。李冬君从文艺复兴的高度来审视和剖析宋画的历史和艺术特点，纵观从五代到南宋四百年历史中出现的近30位文人画家，赏析讲解近100幅知名而经典的传世名画，为我们展现一个由宋代文艺复兴带来的绘画艺术世界。
这不只是一本赏析画作的艺术书，更是一本分析和展示中国绘画艺术哲学思想演变历程的艺术思想理论著作，让我们透过宋画理解宋朝的人文思想和艺术创作的发展渊源与特点。
说起“文艺复兴”，我们往往会马上想到欧洲14到16世纪进行的文艺复兴运动。而文艺复兴的本质，就是复兴“轴心时代”的文明。
其实中国也曾经历过“轴心时代”，也就是春秋战国时期诸子百家争鸣、文化勃兴之时，其代表人物便是孔子等思想大家。
在中国的历史上，在不同的阶段，曾多次出现文艺复兴，将华夏文明不断强化并延续下去。
宋朝士人群体的崛起和个体的强大，也带来了思想的再次勃兴与传播。他们追求个体的解放以及在大自然中生发的独立自由的情感，也使得表达这种思想追求的山水画和文人画逐渐兴起，成为宋代文人的精神代表，既是宋画的一大特色，也是宋代文艺复兴的标志。
此时也涌现了大量优秀的画家和经典作品问世，如黄筌、顾闳中、董源、李公麟、李煜、米芾等。其中，宋徽宗赵佶可以说是站在国家顶峰的名家代表，这位被皇位耽误的艺术家，正是依仗他的地位和权力，强力推动了宋画艺术的发展。
身为皇帝的赵佶对皇家画院进行了改革，后来又将“画学”独立出来，成为国家级的美术学院，由他亲自进行招生和教学指导。
当时的少年学徒王希孟便是由此得以进入学院学习绘画，并得到赵佶的亲自指导和大量的资源供应，最终创作出传世名作《千里江山图》。
而作者则在对画作的蛛丝马迹进行研究分析后提出，历史上关于王希孟的记录非常稀少，画作完成后甚至“消失”了。而王希孟创作这幅画时是18岁，赵佶也正是18岁登基。因此大胆推测，其实这一切的“幕后操手”都是赵佶，他就是“王希孟”。
也只有身为北宋皇帝的赵佶，才有创作的动机、大量的资源和足够高超老练的技艺能力，来创作出这么一幅并不简单的画作，表达了他内心的江山永固之志，也是宋朝皇室的精神寄托。
宋画除了《千里江山图》还有很多经典作品传世，其中也包括了五代时期的作品，如《韩熙载夜宴图》《写生珍禽图》《清明上河图》《溪山行旅图》《潇湘图》《池塘秋晚图》等，既是反映了当时的社会百态、自然景象，也饱含着宋朝文人的艺术精神追求。
走进宋画，也是走进中国历史的文艺复兴现场，接受传统文化艺术的洗礼。这本书给我们打开了一扇赏析中国传统名画的新世界大门，体验一场视觉与思想的艺术盛宴。
走进宋画：10—13世纪的中国文艺复兴读后感篇十
春秋战国时松的思想环境，导致百家争鸣的出现，而五代十国的乱世，思想上的争鸣现象没有再次出现。相对于北方的混战，南方小国的社会相对安宁，从而获得不少文化成就。
张彦远《历代名画记》提到，中国的佛教美术有四家样，分别是南齐张僧繇的张家样，北齐曹仲达的曹家样，唐吴道子的吴家样和唐周昉的周家样。张家样的特点在“得其肉”之造型，曹吴两家根本特征为“曹衣出水”与“吴带当风”，而周家样则创出水月观音。
谢赫《古画品录》提出，绘画的目的在于“成教化，助人伦，明劝戒，著升沉，千载寂寥，披图可鉴。”认为人物画多传达出个人的品格。巫鸿《中国绘画 远古至唐》提到，宋代以前人像画常常以帝王将相孝女等作为创作题材。
一、文艺复兴？
作者李冬君认为，不同的国家拥有不同的文明史，中国作为一个连续性的文明国度，在不同的历史阶段曾多次出现文艺复兴现象，尤其士人群体的宋代带来了新的审美自由。有趣的是张邦炜认为，“宋代文艺复兴说”有悖常识与常理，当属欧洲中心论的流弊。
宋代的文艺复兴言论，可追根至日本东洋史泰斗宫崎市定发表在20世纪40年代的学著《东洋的文艺复兴和西洋的文艺复兴》。细细品味“文艺复兴”理论，可知晓西方复兴的是“黑暗的中世纪”导致中断的古希腊古罗马文明，也就是说文艺复兴是基于欧洲文明曾经发生“断代”的认识。
二、五代时期
后蜀孟昶的花蕊夫人、南唐李煜的小周后，在国家沦陷后被掳至开封，当百年之后同样的命运降临到赵家宗室。宋徽宗表现出彻底臣服的态度，而李煜虽然懦弱又显得无可奈何，他的后期作品体现出多愁善感的精神状态。只可惜李煜的书法绘画作品没有流传，无缘得见“撮襟书”“金错刀”的风采，而只能欣赏他忧伤的诗词。
五代时期北部地区的战乱，南方地区相对的安宁自然吸引着北方贵族的投奔，李煜对强国屈辱求和，对投靠者则百般猜疑，身居高职的韩熙载只得伪装成醉生梦死的朝中人。“探访”过韩熙载的宫廷画师周文矩，因采用了李煜的“颤笔”技法而独树一帜，不过仍是周昉传派的代表画家。作为后蜀宫廷画派的黄筌，为子女学画留下的《写生珍禽图》，画出了花鸟恬淡和自然的“富贵”气象，其子黄居寀继承家学，其精工华美的风格受到上层贵族的喜爱，当时花鸟画无不以“黄家花园”为准。
三、北宋时期
北宋画坛有宫廷的“江山图”和文人的“云山图”等两种山水模式，对于江山而言其并非地理上的概念，它常借代“国家”的意愿，王孟希的《千里江山图》是第一幅国家层面的江山图。陈歆耕《蔡京沉浮》提到，《千里江山图》画成后，宋徽宗虽然“嘉之”，但并不真心重视，随手赐给了蔡京，或许是希望蔡京能继续为朝廷效力。画作的作者也被众多学著研究，有人推测其或许是宗室，作者则大胆地认为可能是宋徽宗！据记录，“王希孟”之称始见于明末清初梁清标的题签。
相对而言，张瑞泽的《清明上河图》被皇家所认可，只是北宋几年之后就被灭亡。研究表明故宫版或有残缺之谜，长卷的卷首和卷尾部应该被截去了一部分，卷尾或许要延续到金明池为止。孙机研究《元王振鹏金明池争标图》时，就受到了《清明上河图》“残缺说”的影响。
据记载，宋神宗看到李煜的画像很有感触，许多人相信，宋徽宗是南唐后主李煜转世托生的，导致两人有着相似的命运。赵佶留下了众多的作品，其墨笔写意之作多表现林下水滨风物，对于《写生珍禽图》是否属于赵佶的作品，对比《夏日诗帖》《牡丹诗帖》中的“政和”印章，显得有些疑问。
米芾追求的是画面的情趣，在他写字的过程中意到笔到，随意之间体现出古雅气韵。汪曾祺《家人闲坐 灯火可亲》提到，写米字宛如寡妇失身。米芾的绘画始于李公麟生病的1103年，出于对江南山水的理解，他以水墨挥洒点染来表现山川河流和树木以追求点墨的“墨戏”，这种技法有点像修拉的作品。米芾之“颠”和南宋梁楷的“疯”，都体现出艺术家不愿接受任何约束，梁楷的简笔泼墨人物，以墨代色意趣无穷。内在的气韵让人印象深刻。
四、南宋时期
南宋人认为北宋是因宋徽宗痴迷于艺术而灭亡的，所以绍兴年间，画作中凡与赵佶相关的题款全部被裁撤，这时期的“绍兴裱”由于装裱者随意裁切演变为收藏界的灾难。宋高宗赵构在晚年珍重徽宗的画迹，但为时已晚，到了元代画商们有意补上徽宗的伪款伪印。
宋高宗为了宣传继位的合法性，让大臣编写祥瑞故事，命宫廷画师创作“中兴”题材的画作。北宋时期的全景式构图，到了南宋已转向院体小品，基于偏安临安的安逸呈现出“残山剩水”风格，画面由繁入简、由整体到局部，无意中促成了册页扇面的小画形式。
邓椿的《画继》在前五卷录入了大宋王朝时隶属于圣艺、侯王贵戚、轩冕才贤、缙绅韦布、道人衲子、世胄妇女及宦者的画作，其中宋徽宗自然名列榜首，郓王赵楷等13位王孙画派受科举普及、士族重视的环境影响，画风向士人集团靠拢。王孙画派后续还有赵孟坚和赵孟頫等人，其影响力直至大清灭亡才方为结束。
作者李冬君通过美妙的文字，配以精彩的画作，让读者沉浸于五代十国和大宋王朝的艺术世界里，也对同时期的绘画艺术有了全新的理解和认识。
走进宋画：10—13世纪的中国文艺复兴读后感篇十一
907年唐末，中国进入五代十国乱世时期，960年赵匡胤建立北宋，与辽、西夏并立，金兴起后于1125年灭辽，1127灭北宋，赵构逃到南方，建立南宋，偏安江南一隅。蒙古大汗国兴起后，西征建立起了四大汗国，先后灭掉金、西夏和南宋，于1179年统一中国，忽必烈改国号为元。本书所述的10世纪初到13世纪后期便是指这一时期。
如果单从王朝兴盛的角度来看，当然中国历代王朝中汉唐最强，宋，尤其是南宋，在大家的印象里，与少数民族政权的战争中总是处于弱势，求和纳岁币以至称臣失地，这些都让人觉得这个朝代很弱，有种恨铁不成钢的感觉。但其实换个角度看，宋朝却达到了历代王朝之盛。
宋朝的科技十分发达，四大发明多个都是在宋朝出现。这得益于她的文教昌盛，统治者重文轻武，鼓励读书，扩大取士名额，“与士大夫共治天下”，知识分子的待遇很高，整个社会都洋溢着浓厚的文化氛围。而且宋代的商业也十分繁荣，出现了很多繁荣的市镇和繁华的大城市，甚至还出现了最早的纸币。百姓们的文化娱乐生活相当丰富，营业时间也从白天直接延伸到了晚上，早市、夜市、鬼市都不停息，宵禁被打破，住宅区和商业区不再井然分明，早已混杂而居。这个从孟元老的《梦华录》和张择端的《清明上河图》里都能看到。
本书《走进宋画--10-13世纪中国的文艺复兴》是从宋画的角度来探索这一时期的历史。说到宋画，可能很多人想到的都是北宋张择端的《清明上河图》，那繁华的汴河沿岸，街市林立，商贩们忙于生意，行人摩肩接踵，一派繁华。张择端截取清明节一天的场景来描述繁华的东京城，非常生动，为后人了解北宋都城开封人们的日常生活留下了宝贵的史料。这一幅精彩的市井风情画描绘出宋代民间社会的新样式。
提起宋画，还有很多人想到的是北宋末代皇帝宋徽宗。他的瘦金体、花鸟画都相当出色，毫不逊色于历史上的任何一位书画家。可惜他却是一位皇帝，如果他是一位艺术家，可能更符合他的天赋才华。因为皇帝热爱绘画，所以画家也可以参加科举了，对于有绘画特长的人来说，生在宋徽宗时代，可能是最好的时代了。但是对于国家来说，有这样一位只懂艺术，不懂治理的国君，却使灾难了。
作者认为汉代复兴先秦儒学，魏晋以玄学复兴老庄思想，宋人越过唐人直奔魏晋，在复兴魏晋的个体之美中产生了山水画，从山水画到人物画，花鸟画，都出现了独立精神的表达。
作者用意大利文艺复兴引出宋朝文艺复兴，认为士人群体独立人格的形成使得艺术带来人性解放，士人群体是文艺复兴的主力。这首先带来的是审美自由，让艺术蓬勃生长。最令人瞩目的是中国山水画的兴起，尤其是水墨山水画。山水画巨子李、范、郭、米四大家。北宋形成院体工笔与士人写意两大艺术流派，代表着北宋的人文精神。
画家中有一个神秘的人物，至今都没人知道是谁。他就是年仅17岁便画出《千里江山图》的希孟。查遍卷宗，并无此人。人们猜他就是宋徽宗赵佶。年纪轻轻便画出《千里江山图》，可谓天赋异禀，然之后便查无此人，杳无踪迹，在那个时代，有这样绘画天赋又被皇帝注意到的人是最有发展前途的，这很奇怪，也不寻常。而从《千里江山图》的气魄上，人们也认为徽宗是最有可能画出此画的。
《韩熙载夜宴图》也是常为人们提及的名画。一位空有才学与抱负，却不得不隐藏自己才华，装作沉迷声色以逃避官场的人。在画中，不管歌舞管乐多么动听，其他人都在谈笑风生，而韩熙载始终眉头不展，沉默不言。他心中满怀忧愁，他空怀着对国的忧思，然知道所遇非明君，凭己之力已难以挽回颓势只得装作沉溺享乐，这于他显然不是享乐，但他却也无能为力。画家静静观察着这场夜宴，等回去之后呈现纸上，报给皇帝。皇帝找一位画家为其充当眼线，不说费时费力，也是一件颇为艺术的事，然也为后世留下一幅传世佳作。
随着今年来对宋的了解越来越多，人们看到宋时人们的生活非常丰富有趣，对宋的兴趣也越来越多。如果你想更多了解宋朝，或仅是喜欢看画赏花，那么本书《走进宋画》都是你了解宋朝和欣赏画作的一本不二之选。书中有非常精美的画作，作者文字简洁生动，边赏画边看解读，是一件很享受的事。
走进宋画：10—13世纪的中国文艺复兴读后感篇十二
美：文史知识与审美水准都在线的历史著作
想要走进一个时代，那么必然要接近那个时代的历史与文化。譬如唐诗宋词，譬如唐朝书法，宋朝陶瓷、艺术画，譬如明清时期世情小说。《走进宋画》也是源于此来深入探究宋代绘画艺术的历史背景和发展过程，以及个体与时代的互动关系。
《走进宋画》是一本由李冬君撰写，北京时代华文书局出版的书籍，它在宋代绘画艺术领域提供了一次独特的文化之旅。本书内容包含了五代十国到南宋这四个世纪的绘画艺术，呈现了一幅绚丽多彩的中国文化画卷，体现了作者对艺术、文化和美学的独特见解。
宋代社会的进步给予了绘画艺术以空前的发展机遇。五代、两宋时期被外部历史学家称为“近世”或“新社会”，在唐代和五代的基础上，宋代进行了文艺复兴，为绘画艺术开辟了新的辉煌天地。
此后，中国山水画迎来了一个重要的发展阶段，尤其是水墨山水画的兴起，成为十至十三世纪中国文艺复兴的标志。《走进宋画》按照历史顺序分为五代、北宋和南宋三个时期，详细解读了近30位名家和近100幅传世经典画作，探究了山水、花鸟、人物三大绘画类别从技术到艺术再到境界的发展过程。同时，本书还讲述了个体与王朝的相互关系，以及命运与天才的共振。
在创作体例上，本书将赏析和传记相结合；在方法上，兼顾审美和思辨。通过这样的方式，作者探索着构建一个新的中国艺术史，并将其呈现为一部涉及思想、艺术、文化、美学和文学等多方面的人文作品。
阅读《走进宋画》之后，你可能会发现艺术是开拓文化的一片江山，是一个很好的去处。追求自由，构建个人的独特人格，让自己得到满足，这可以被看作是对中国文化和自我的一次美的救赎。美是一种引人向上的终极力量，它能够激励人们对美的追求，并在其中找到心灵的满足。
与其他艺术史书籍不同，《走进宋画》更加专注于揭示画家们的艺术人生和审美精神，让读者能够对他们的创作动机、技法和思想意识有更为深入的了解。通过这种个体化的叙述方式，本书给读者带来了全新的艺术通识体验。
《走进宋画》涵盖了近30位文人画家的生平故事，其中包括了黄筌、周文矩、顾闳中、董源、郭熙、范宽、李公麟、李煜、赵佶、米芾等知名画家。通过对这些画家的评点和传记，读者可以更加全面地了解到他们的创作背景、成就和艺术风格。
作者李冬君具备丰富的文史知识和审美历练。她深入探究王朝史观，怀着对古国美物的热爱，她的笔下始终展现着文明的剪影和思想的追光。通过她的书写，我们可以窥见五代十国和两宋画家的精神风貌，他们的观念与审美相互映发，个体与王朝相互勾连，命运与天才相互刺激共振。这样的描写确实是令人兴奋不已的。
应该这么说，《走进宋画》真正的主旨并不在“宋画”本身，而是“走进”艺术世界，这是一种心灵对于更大真理尺度的打开与延伸，一次关于“文化中国”之“文艺复兴”。
全书贯穿着一种关于艺术家如何克服困境、创造精神成果的生动叙事，这种个人史诗般的表达方式令人深思。我们将这种消除主客观对立、实现心智互动的知识传递方式称之为“美育”。因此，《走进宋画》在跨学科研究中不仅涉及到艺术史学领域，更致力于美育方面的探讨，试图揭示历史与内心深处更深层次的联系。
当然，如此精品的一本书，其装帧设计也是很重要的。《走进宋画》在这方面并不令人失望。它采用了优质的装帧设计，让书架上的颜值得到提升。由“世界最美的书”得主朱赢椿老师精心打造，外封全页0.141毫米金线烫金，细致入微，内封书脊包布印白，传统感与现代感交织。全书的设计风格唯美高雅。
整本书在行文和插图运用上都力求追求美的极致，尤其多次使用宋代画作的插图，使全书呈现出一个立体的美感。而这种美感深深吸引着读者，值得让我们将之收藏于书架上。
《走进宋画》是一本值得推荐的书籍。它不仅为读者提供了一个随身携带的宋画艺术博物馆，通过介绍画家的生平和作品，带领读者深入了解宋代绘画的历史和文化。同时，这本书独特的艺术通识方式以及精心设计的装帧，也给读者带来了愉悦的阅读体验。无论是对于艺术爱好者还是对于广大读者群体而言，阅读《走进宋画》都将是一次知识的享受和心灵的启迪。
走进宋画：10—13世纪的中国文艺复兴读后感篇十三
千年揽胜，唯赵宋入梦，
我们为什么爱宋朝。我想唯一的原因，一字即可概括——美。大至恢弘磅礴的千里江山，小到温润细腻的天青汝窑，宋朝的美，古拙、立体、隽雅，人间烟火气中也自带清澈。
宋词与宋画，宋朝美学的两颗明珠。从前爱宋词，现在爱宋画。宋画中蕴藏的宋氏美学，或含蓄简约，或气势贯虹，或轻柔文艺。跳脱出画面本身带来的视觉美感，看多了宋画，才发觉依附在细绢宣纸介质中，更美的是人的精神。
艺术与政治的博弈，不畏惧皇权的黄筌
《写生珍禽图》是五代黄筌留下的唯一一幅无争议画作。因其珍贵，被列在禁止出国展览的名录中。而谁能想到，这件珍藏故宫博物院的画作，其实是黄筌给儿子的一件写生练习册，左下角题款“付子居宝习”，可即便是一件素材练习册，也处处精细，飞禽羽翅纤毫毕现，草虫翼翅透明细腻，写实功力丝毫不逊，足以流传千古。
虽然他的艺术作品只留有一幅，但关于艺术家本人的故事，却有很多，先来讲一则。
黄筌曾在前蜀后主王衍主政时代任“待诏”。有一天，王衍召黄筌至内殿，一同欣赏吴道子《钟馗图》。王衍不喜欢吴道子画钟馗用右手第二指抉鬼的眼睛，以为不如改为拇指更有力，就让黄筌拿回去改。可黄筌未遵旨，而是另画了一幅。画面中，钟馗以拇指抉鬼目。画毕，呈给王衍，王衍当即不悦，责怪他擅自做主。
艺术家黄筌也气盛，当即辩称：吴道子画钟馗，笔意、眼色，都在二指上，不能改，一改，整个画面就不对了。而他自己画钟馗，眼色、笔意，则俱在拇指。王衍闻言立悟，大赞黄筌笔下留德。
艺术与政治的博弈中，黄筌守住了自己的艺术底线。如果他是一个“你吩咐，我执行”的工具人，还能成为仅凭一幅练习作品就被千古称颂的艺术家吗？
敢于吃螃蟹的周文矩
周文矩是后主李煜之臣，也是在艺术上追随后主最有名的一位。他最负盛名的是他所画的仕女画，而要发现女性的美，在当时的社会条件下，必须经历“观念的冒险”，首先要突破传统女范的伦理禁忌，其次要突破审美规范等对人体美的禁忌。
《宣和画谱》说，周文矩“不堕吴、曹之习，而成一家之学”。在周文矩之前，女性画或如《女史箴图》里的肃穆与端庄，或如《洛神赋》里的逍遥与缥缈。“吴带当风”“曹衣出水”的线条人物画，在周文矩看来都不是真实的线条，那是用来礼赞神佛的线条，难免带有宗教的规制，难以表达人的鲜活气息。他需要的是带着女性体温的线条，是会呼吸的线条。于是《宫中图》出现了，观念上的冒险，引导了女性之美的发现。从神佛到仕女的转型，恰如从圣母向蒙娜丽莎的转型。
看看这80 个仕女，是80 个会喜怒哀乐的女人，各有各的表情。
她们由着各自的性子表达着各自的情绪。春晓梳妆时，不必拘泥礼教的端庄，只有活泼泼的美娇容。那位仕女，扭头注目被抬在辇里的小儿时，开心到眉眼都笑弯了，鼻子嘴巴也跟着扭动，表情十分夸张 ；随着夸张的表情，她的手居然还撩起裙裾，更令人瞠目的是裙裾还要扯得高高的。那位坐在四位丫鬟中间的贵妇，哪有往日里的嫔妃淑范，她似乎被面前这位丫鬟抻开的画面给逗笑了，开怀大笑到赶紧把两手撑在腿上，才不至于前倾扑地。酥胸香肩供着一张傲慢的脸，还带着“晚妆初了明肌雪”的慵懒，大概她才是最尊贵的后宫主子，丫鬟、大小嫔妃一干众人都在小心伺候着，右脚抬着——哦，这是准备洗脚——活色生香的后宫生活。
哈哈哈！周文矩把伸懒腰的、梳妆的、忧郁的、想心事的仕女统统写真出来，在弹琴拨阮、丝竹管弦、戏婴等的穿插中，描绘了她们的生活状态。
从中国人物画的传统规制来看，《宫中图》中后宫嬉乐场景当然是不能入画的，因为传统文化推崇女人的母性和妻性之美德，关心女人在礼乐文明中的角色和身份，所以仕女图多半尚女性之美德，慎女人之美色。东晋顾恺之，可谓仕女画造像之先贤，居建康（今南京）时创作的《女史箴图》，便是一卷宫妃淑范的伦理图示。他的“春蚕吐丝描”，赋予仕女一种关于美的历史风范—冰肌玉骨的女史气质，有一种可观而不可近的美。
500 多年后的南京，《宫中图》依然是最美的，它洋溢着人性自由之美。
追求格物致知的宋徽宗
宋徽宗当皇帝实在是一塌糊涂。他的政治价值我们按下不表，要说艺术成就，在艺术长河中，宋徽宗赵佶在前排交椅中绝对可以占得一席。
宋徽宗完备皇家画院制度，设翰林图画院直管，还亲自主持画院工作，并将画学纳入科举考试。在中国传统的“内圣外王”的序列里，分了这样几个程序 ：格物、致知、正心、诚意、修身、齐家、治国、平天下。身为皇帝的宋徽宗，在艺术上没有特别强调“正心诚意”，而是更为关注“格物致知”，将“格物致知”落实在绘画中，便是写生，这才是徽总艺术认知里的审美层面的王道。
《画继》卷十《杂说·论近》讲了宋徽宗“格物”的两个小故事。
一则是龙德宫建成，徽宗命待诏们做壁画，他们都是当时最好的画家。画成之后，徽宗来看，他只对一斜枝月季花看了又看，然后问左右画者是谁，听说是一位刚来画院的少年，他很高兴，就赏赐了一匹红帛，古称“绯”。做成绯衣、绯袍，穿上就表示升官了。一个初出茅庐的小子，不经意间，便得了徽宗如此恩宠，待诏们云里雾里搞不懂，就请徽宗身边的侍从去打听。徽宗说 ：月季花很少有能画好的，四时朝暮，花蕊叶都在变化中，这一枝月季花，作于“春时日中，无毫发差，故厚赏之”。
还有一则，宣和殿前种了一棵荔枝，还结了果实，那是岭南才有的水果，居然在北国的宫廷里种活了，就在他的宣和殿前，这当然是祥瑞来了。凑巧，有一只孔雀来到荔枝树下，徽宗急召“画院众史”来画，“各极其思”，各尽其妙，真可谓满幅光昌，一派流丽，可徽宗都不满意，便说了句“未也”，“未也”就是不行的意思。为什么不行？各位摸不着头脑。过了几天，徽宗又把他们叫来问，还是没人回答出来，徽宗只好降旨曰 ：“孔雀升高，必先举左。”尔等所画，“先举右脚”。众人大悟，无不骇服。
宋徽宗的格致功夫之深，由此可见一斑。一件作品，不管多么诗情画意，不管怎样多彩多姿，都必须服从一把最重要的艺术的尺子，那就是格物致知，求真求实。
由此再看宋徽宗的花鸟画作品，无论是《瑞鹤图》中20只鹤的不同姿态，还是《梅花绣眼图》中纤毫分明的羽翅，必定都是宋徽宗日常观察写生的成果，也难怪乎他的花鸟画被划归为“花鸟写实主义”。
人们常说中国画偏写意，西方画重写实，看了宋画中的花鸟画，才知偏见多大！早在1000年前，我们的花鸟画就已经有栩栩如生、惟妙惟肖的艺术效果。
那些大美的宋画背后真的是有太多太多精彩的细节了，嵌入的正是那个时代文人墨客的艺术精神以及他们留存在纸绢字画上的故事。
陈寅恪先生有言：“华夏民族的文化，历数千载之演进，造极于赵宋之世”。我们为什么爱宋朝，宋朝有很多可爱，可能更爱的还是人。
走进宋画：10—13世纪的中国文艺复兴读后感篇十四
翟进在《自由与天真》中提到，宋朝的美学达到了中华文明的高峰，也可以将其称之为中国历史的“文艺复兴”，这一点可以从宋代的绘画中深切感受到。
事实的确如此，由唐至宋，绘画中的人物开始消失，颜色也开始消失，绘画由“外在”的彰显逐渐转向“内心”的征服。
无独有偶，独立历史学者李冬君也认为从五代、两宋开始，中国绘画才真正迈进独立的艺术门槛，尤其是山水画的兴起，成为中国文艺复兴的标志。在《走进宋画：10—13世纪的中国文艺复兴》这本书中，她对五代、北宋、南宋三个时期的经典绘画进行分析，探究了山水、花鸟、人物这三类绘画的发展历程，并讲述那些卷轴里的人性与政治，同时它也是历史最好的见证。
本书从五代时期走进宋画，是因为这一时期的绘画开始有了艺术的独立姿态，它脱离了功利的羁绊而自存，这也就意味着从五代开始，中国绘画才真正迈入艺术的大门。而艺术之花之所以能够在五代盛开，自然有它适宜生长的土壤，五代虽然经历朝代更替，但都在中原地带，南方地区却相对安稳，人们更多地追求有趣味的精神生活，这一点在绘画领域尤为明显。
这一时期，涌现出一批绘画大家，梁荆浩、关仝、董源、巨然、徐熙、顾宏中等人。
后世最为熟知的恐怕是顾宏中的《韩熙载夜宴图》，这是一幅展现人性与政治的绘画长卷。这幅长卷绢本设色，手卷形式，横335.5厘米，纵28.7厘米，属于中卷。这幅画之所以受到人们的热衷，主要是它产生的历史背景，再现了历史场景。
在李煜继位时，南唐已经走向没落，对此李煜也深知但还是拼命自保，在向北宋求和的同时，他对“脱北”大臣有所忌惮，韩熙载就是其中之一。为了消除李煜的猜忌，也为了自保，他在苦闷之时，散尽家财，纵情声色，喜为夜宴。公元964年，李煜派顾宏中、周文矩夜探韩宅，就是这一探，《韩熙载夜宴图》诞生了。
在夜宴上，顾宏中的心思并非在酒菜上，而是以双眼敏锐的捕捉各个场景，他关注每一个人的表情，房间的每一个细节，感受每个角落的气息带给整个夜宴的紧张气氛。后来，他凭记忆将夜宴奢华的场景再现，而让人意想不到的是，《韩熙载夜宴图》取得了李煜的赞赏，还打消了李煜对韩熙载的忌惮，而韩熙载也因这幅绘画得以善终。
当然，我们知道韩熙载之所以纵情声色，其实是想要通过自黑、自污甚至不惜自毁人格来保存自己。只不过，他的小心机被顾宏中识破，他的纯良与和善，促使他扮演了一个拯救者，以无声的镜头来展现一切，并且阻止了一场屠杀。这或许也是这幅画获得巨然成功的原因。
进入宋代，中国的文艺复兴开始了，在绘画上体现为山水画已经达到了世界最高水平。其实，宋代绘画能够有长足的发展，除了社会安定，经济富庶之外，还因宋徽宗本人对绘画的热衷，使古雅成了绘画以及工艺美术的新潮流，这也使人物画、花鸟画和山水画有了新的突破。
这一时期的著名绘画家有山水巨子李范郭米四大家，还有宋徽宗赵佶等人。
千百年来，世人对《千里江山图》解读不一，作者希孟被认为就是皇子赵佶。这是一幅颂圣王朝江山富饶美丽、祈福国家永固的山水画，其绘画色彩与风格也体现了宋代皇家特有的古典雅致。
在本书中，李冬君给出了《千里江山图》出自宋徽宗之手的几个原因：
其一，蔡跋说，希孟18岁完成《千里江山图》，徽宗也是18岁登基。它展现了王朝天下的理想样式与江山感，以及“富有天下，贵为天子”的气象，唯有皇室，才能陶冶出来。
其二，画《千里江山图》须要具备两个条件，熟悉皇家建筑，并且了解江南山水。“希孟”的千里江山，有一个最为明显的特征，就是将皇宫建筑分布到江南山水民居中去。
其三，徽宗对“希孟”“亲授其法”，而宋徽宗《雪江归棹图》与《千里江山图》的画面江山构图、村落布局很像，树枝、农舍笔法一致。不过“雪江”图笔法更老道，更体贴审美的情绪。
至于13年后，为何他将《千里江山图》赐给蔡京，把他的初心，他的“希孟”托付给了蔡京？《走进》宋画这本书中，李冬君也有分析，在此不多赘述。想要知道答案的不妨去读读这本书。
南宋时期，皇家画院解体，但院体派还在，于是士人写意画与院体画合流。在南宋，写意既是艺术立场，也是技法流派。虽然现实给予南宋画家以重创，但它仍然体现出了豁然疏朗的审美，董其昌说它“简率”。
这一时期也涌现出许多著名的绘画家，比如马远、夏圭、梁锴等。
梁锴《泼墨仙人图》体现了一种新的技法“泼墨”，也是一种新艺术表现，而且它的自由气质，似乎更适合开启禅宗话头。这幅画也突破了传统人物画像的常识，塑形也不再依赖精准的线条，更没有什么黄金比例，寥寥数笔展现出一个“快意”人生。
如此“但求神似悦影”，竟能让人体会到人物气质中一种前所未有的自由逸格。而梁锴所展现出来的“意”，是禅意，那是“顿悟”的意趣；他展现出来的“格”，是一种醉格，泼墨的酣畅，逸笔草草的快意，同样醉人，自由才是梁楷的醉格。
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总之，不同于一般意义上讲述绘画的书籍，李冬君《走进宋画》是一本真正可以让读者深入了解宋画，并且了解宋画诞生的历史背景以及对相关画作深入解读的书籍。
而从她的讲述中，可以更深刻感受宋画为何被称为中国文艺复兴，感受作者试图建构新的中国艺术史，这的确是一部思想、艺术、文化、美学、文学交织的伟大人文作品。更重要的是，你还可以从绘画中领悟到追求自由，构建独立的人格，安顿自己的重要性！
