《现代艺术慢慢看》一书，让人们重新审视了现代艺术的本质和意义。作者从多个角度介绍了现代艺术的发展历程和各种新颖的艺术形式，通过深入浅出的方式，让读者更好地理解和欣赏现代艺术。这本书为我们打开了一扇通向艺术世界的大门，让我们更加深入地了解和感受艺术的美妙之处。
现代艺术慢慢看读后感(一)
要对自己的感觉有信心，普通人观赏艺术品首先摒弃杂念（如不要先看标签，权威解读，作者经历等），在真迹面前看、赏、融入、感受，跟随自己的内心，是人与艺术品的交流，喜欢就是喜欢，不喜欢就过滤掉，且观赏作品的数量和顺序也可以随心而动，不必按博物馆顺序一一看完。
书中有些艺术品真的很美，很有意思，让我对观赏艺术品有了兴趣，以后外出旅游，要把参观当地美术馆、艺术博物馆加入行程。
如果能买到一件自己喜欢的，负担得起的艺术品那就更棒啦。
现代艺术慢慢看读后感(二)
作为曾经的艺术品经销人员，书里看似段子的很多事确实是真实的，比如年轻的藏家在他面前努力背出图录上的话，那其实是拍卖公司在很短时间内拼凑出来；拍卖公司的人在看作品的时候第一反应是好不好卖，是不是最受市场欢迎的类型，以及如何通过一系列的故事和八卦将其推向高价。各家公司的客人其实也都比较固定，客人买东西的时候，有时候非常“实用”：这张画跟我的客厅很配，尺寸也刚好合适我的沙发.”反而在公众看来艺术过分高大上了。很多现在被定为艺术品的在漫长的历史长河里最初都是干别的用的，所以不妨试试作者的方法，卸下包袱、放下手机，不看展览前言，不看标签，认认真真地看作品，让作品与自己真的共鸣。另外，的确艺术的明星效应也不容小觑，伟大又长寿的艺术家，在漫长的创作生涯中做一堆应酬画和平庸之作也很正常，只是因为艺术家的名号而斥巨资在国内的各种所谓的大师展上刷存在也实在没必要。不如多看有意思且能跟自己有共鸣的东西。
现代艺术慢慢看读后感(三)
春节前，与两位画家在公司年会上开了一次讲座-《文化，色彩与信息》。我的核心观点在于:颜色是全世界的母语，是一种确定性的表达。我十分反感用一些模糊的、主观的情绪感受来表达对于艺术作品的品鉴。在我看来，这种主观感受的描述，几乎无法传递出任何有效的信息，无法形成共鸣，至少是观者之间的共鸣。我寻求的是一种如语言般精确，可以有效传递信息，足以形成互动交流的描述，可以主观，可以个性化，但必须明确。我在图像艺术中需求如语言般的确定性。然而，这恰与本书的核心观点相左。
书中提及作者“心目中的文学英雄”-塞缪尔·贝克特在年轻时就渴望尽可能多地学习德国中世纪的艺术和17世纪的荷兰绘画。在一次德国的旅行中，他经历了一次改变他信念的启示:他突然能以绘画自身的方式与其对话而无需借助文字了。他写道:“过去我从来不会对一幅画感到满足，除非它变成文字，但现在这种需要消失了。”而这种需要恰恰是我过去一年以及现在仍在竭力追求的。我给一位画家的画册写了序言，我给另一位艺术家的陶瓷作品作了评论。我认同他们的作品，在于他们的作品能够纳入我的言语描述范围，反过来，他们也认同我的文字，因为我提供了一种思辨性的，不单纯述之于主观感受的解读。我崇尚的是维特根斯坦的“我语言的界限就是我世界的界限”。但说实话，我不确定这是一种故步自封，还是其他。
是思维惯性吗？不见得。我的职业是一名化学工程师，大家喜欢称之为理工男。但我向来反感大众对于理工生与文科生的脸谱化划分，似乎前者必定是没啥艺术细胞，后者缺乏理性逻辑。一些大科学家往往也是艺术鉴赏高手，因为两者都需要深度思考的能力。反过来讲，一些真正的艺术大师，其逻辑思维也不见得就不科研工作者差，因为两者都需要缜密的设计能力。我不知道，那些声称对艺术一窍不通的理工生，或者言必提没逻辑思维的文科生，是懒惰，还是无能（徒有其名）？
书中另一核心观点是强调艺术的体验，而非识别。识别是抽象的，可传递的，体验是具象的，更关乎个人的，是一种独特的共鸣，如作者所言，这共鸣，无关乎艺术品的创作者，无关乎任何外加的辅助说明。识别也追求共鸣，但这是一种可重复的共鸣，讲求标准，追求长时间大范围的共识；而艺术不同，它更倾向于一个特定的时空点，是离散的，千人千面的。识别（真理)追求普遍性，艺术追求独特性。而我觉得，这两者并无本质上的冲突，我追求普遍性与独特性之中的确定性，而确定性的表征工具，就是语言。
而这也是我开启“视听，语言与艺术”这一主题阅读系列的由来。
现代艺术慢慢看读后感(四)
我觉得艺术与混乱中的安宁有关。这种安宁有祈祷的特征，也有风暴眼的特征。我认为艺术与走神时出现的专注力有关。——索尔·贝娄
现代艺术慢慢看
8.2
[英]迈克尔·芬德利 / 2020 / 中信出版集团
认识我的朋友都知道我的旅行总是围绕两个主题：书店和美术馆/博物馆，我非常享受在二者中闲逛驻足的时间，不紧不慢，安然自得。不过朋友们理解我去美术馆或博物馆参观的角度并不同于他们理解我去书店的角度。他们知道我喜欢去书店就是因为喜欢书，而喜欢去美术馆或博物馆则是因为我有美术学习经验，有美术史知识，所以能看懂。
我想说，其实我喜欢去美术馆或博物馆参观也只是因为我喜欢，并不是为了考一考自己认不认得出毕加索和布拉克的画，或能否按时间顺序排列莫奈的作品。我一直认为去美术馆或博物馆参观，是为了激发各种情绪的触动，为了感受艺术带来的不同于日常的惊喜……或惊吓（笑）。所以每当我身边的人问我要看懂艺术——尤其是现代艺术，需要读哪些书，我是绝对不会推荐《现代艺术150年》或《现代艺术史》之类，当然，它们都是好书，但恰恰不适合想要看“懂”艺术的人，比起前者，我更推荐由艺术品交易商、美国艺术品交易商协会主席的迈克尔·芬德利所写的这本——《现代艺术慢慢看》。
我非常赞同他在开篇就写出的鉴赏核心：“有些人在接触现代艺术时会问’这是艺术吗？’这么问就离题了。我们要问的问题应该是：’这对我起作用了吗？’我说的’起作用’是指’对你的感官和心灵起作用’，而不是’考考你对艺术史了解多少’。”
但是我们大多数人还是对在一无所知的前提下走进美术馆或博物馆心有芥蒂。为什么？因为我们从小接受的教育从一开始就混淆了艺术体验和艺术知识的习得，其实它们二者是有区别的。我们都赞同这样一句话，“知识并不等同于智慧。”放在艺术鉴赏上也是一样的道理，艺术鉴赏看重的是体验的累积，而非知识的累积。我们并不需要熟记电影发展史才能喜欢或不喜欢一部电影，我们只需要去看那部电影就行了，而当我们看得足够多，范围足够广，鉴赏力也就跟着培养出来了。正如作者所言：“所有这些会表现为入门的捷径，以及教人理解和享受艺术的方式，但其实起着完全相反作用，它们在增加我们的想法和语言方面的储备的同时，会让我们与艺术的交流变少。我们所要做的，其中一部分就是要查验这些态度和看法，然后将这些成见一层层地剥去，直到我们抵达一种清晰的、可理解的和有真诚判断力的境界。只有身处那种境界，才能练就真正的鉴赏力；只有身处那种境界，对价值的判断才有意义。”
说到价值的判断，生活在商品经济时代的人们会很快想到的是“值多少钱”。记得19年在伦敦苏富比拍卖会上，随着班克西的《拿着气球的女孩》以104万英镑被卖出，这幅画的自毁程序也启动了，一时间成为了热门话题。很多人为班克西的恶作剧喝彩，称赞这是“艺术向金钱反咬一口”，也有人推测这是他故意让自己更值钱的心机。不管怎么样，好在卖家心态非常好，认为自己因此拥有了自己的艺术历史，也不亏。然而这起事件至少再次说明了艺术与金钱的紧密关系，这就给人造成了一种错觉，认为艺术品的“贵”等于“好”。当然，如果《蒙娜丽莎》被允许放在市场上流通，那么它肯定会被拍出天价吧，但这只能说明一种潮流，一种趋势和当下的有效性，它并不是一种品质上的或喜好上的规定——规定人人都要认为《蒙娜丽莎》是列奥纳多·达芬奇唯一的杰作，或是你非得喜欢它不可。
可惜的是，像是《蒙娜丽莎》，已然从一件艺术品变成了一种声望，而这种声望又成为了极大的噪音，让人们不知所措。很多人去卢浮宫就为了看三件东西：《断臂维纳斯》，《胜利女神像》，《蒙娜丽莎》，旅行团的话就更是如此了。即便我当时是开馆时间就到了，这三者周围已经围满了人，作为现代人的标配，自拍是肯定的——抑或说自拍才是主要的，而让人唏嘘不已的是，很多人看都不看一眼同馆场的其他作品，自拍结束，走人。尤其是在《蒙娜丽莎》的场馆，不亚于黄金周的长城——狭小的空间里挤满了手拿相机和手机的人，虽然秩序还算好，不过每个人大概只能分到半分钟自拍时间。看到这个架势，我直接放弃了，一是不确定自己160的亚洲身材能挤得过去，二是挤过去也毫无意义，围栏设置在距离画足有三四米的距离，能见度并不比我在网上找到的图片好多少。于是我拐到《蒙娜丽莎》墙体的背后，在无人问津的那里发现了委拉斯凯兹的作品，正好与我之前在西班牙的普拉多美术馆看到的内容完美衔接，那一刻真的很感动。其实，出了房间的走廊上就有数幅列奥纳多·达芬奇的作品，所以我依然可以近距离观赏到大师的杰作。讽刺的是，那些对《蒙娜丽莎》趋之若鹜的人们从里面出来后就径直走掉了，貌似外面同为达芬奇的画作并不足以吸引他们。我觉得很可惜，我们观看的并不只是一些具有声望的图像，不管是古代流传而来的或是近现代被创作出来的，艺术品实际上第一作用都是唤醒感官，一如迈克尔·芬德利所言：“现代艺术的主要功能在于激发各种情感：从狂喜、快乐与高兴到厌倦与困惑，再到不安、焦虑和厌恶，不一而足。”而这些体验，又怎么可能是在匆匆一瞥中获得。
迈克尔·芬德利的这本书叫《现代艺术慢慢看》（Seeing Slowly），重点就在这个“慢慢看”上。如果我们面对的是古典艺术，那么做到“慢慢看”是很容易的，毕竟像文艺复兴时期的画作或雕塑都看得出情节，即使是静物画或印象派也还是有逻辑的。但到了立体派、超现实主义、波普艺术或装置艺术，事情感觉就变复杂了，它们不再那么可懂了，我们这些凡夫俗子感觉被艺术拒绝了（笑）。问题出在哪里？
就出在对“懂”的苛求上。我们希望像求解方程式一样能看出艺术家的创作意图，这个东西是干嘛用的，这个东西是什么意思，它是在什么社会背景下被创作出来的，代表着什么……等等这一切理性思考如盘根错节般反而束缚了我们去感受。但回忆一下我们在听音乐时或看风景时的心态，我们会去追究音乐被创作的历史背景吗？还是需要先了解地质特征才看得“懂”风景？我们都不，我们只是让自己参与其中。观看现代艺术时也需要这个心态，如果有一些冒险精神就更好了，因为不少现代艺术都乐于挑战我们的先入之见和常识。给自己足够的时间——迈克尔·芬德利建议的是至少1分钟，最佳是5分钟或更长——看着面前的“异常景象”，让你的感觉告诉你你感受到了什么，这个互相渗透的过程才是欣赏的重点。你不需要对面前的艺术品作出市场价值的评估，或是回去以后要应付一场艺术史考试，这个时间完全是为了你自己而存在的。
至于说我们要怎么知道一件艺术品的好坏，换言之，如何提升自己的鉴赏力，借用迈克尔·芬德利的话：“真实的生活、实时的比较比信息知识更能激发鉴赏力。……你需要诚实，要诚实则必须去欣赏，要欣赏就必须努力地看，然后做比较。”不要迷信大师，要相信自己的真实体验积累，更要尊重自己的喜好，因为艺术鉴赏不是为了让我们去发现别人的生活，而是为了丰富我们自己的生活，要去寻找能够触动自己的艺术，这样我们与艺术之间的交流才有意义。
最后我想分享一个格林童话故事，选自《格林童话初版全集》，叫《教父》。
说的是有一个人想要给自己新出生的孩子寻找一位教父，但由于他的孩子太多了，全城的人都已经是某个孩子的教父了，他不得不出城，打算请遇见的第一个人给他的孩子当教父。这个第一个出现的人不但答应给他的孩子作教父，还送给教子一瓶水，并告诉那人，如果看见死神站在一个人的头部，那么这瓶水就能救他，如果死神站在一个人的脚边，那么他就没救了。
后来，国王的孩子病了，教子去看，发现死神站在孩子头这一侧，于是用那瓶水治好了孩子的病。然而，这孩子又病了，这一次，他看见死神站在孩子的脚边，于是知道孩子没救了。教子还是非常想救这个孩子，于是就到教父家去请求帮助。
他爬到第一段平台时，看见一把铁锹和扫帚在吵架，它们告诉他教父在楼上。于是他爬到第二段平台，看到一堆死人手指头，手指头告诉他教父在楼上。他便接着来到三楼，看见一堆骷髅头，它们告诉他教父在楼上。他继续来到四楼，看到平底锅里烤着鱼，鱼也说，教父在楼上。他就继续往上爬，来到五楼，看到一扇门关着，他从钥匙孔往里看，看到教父的头上长着一对长长的犄角。他推门进去，只见教父急忙躺到床上，用被子遮住自己。
教子问：“我在一楼看到扫把和铁锹在吵架。”教父说：“你傻呀，那是男仆和女仆在说话。”教子继续问：“我在二楼看到死人的手指头。”教父说：“你傻呀，那是婆罗门参的根。”教子又问：“三楼有一堆骷髅头！”教父说：“傻瓜！那是一堆卷心菜！”教子说：“我还看到四楼有一群鱼在锅里烤着。”说罢，那些鱼把自己放在大盘子上端了进来。教子接着说：“我到了五楼，透过钥匙孔看到你头上有一对犄角。”教父说：“这不可能！”
你们想知道后来怎么着了吗？后来……没有后来。故事到此结束了。我第一次看的时候一头雾水，这故事到底要讲什么？？但同时，我感受到了“长大”的悲哀，小时候的我们更容易沉浸在故事中，而不是追究故事该告诉我们什么。我之所以在本篇文章结尾分享这个故事，并不是因为想要告诉你什么，只是因为我越读它越觉得它很有趣，我喜欢这种感觉。我希望下次我们看到那些晦涩难懂的东西时也不要一味想着要看懂它，而是等待那份奇妙的感觉。
其他同类书籍推荐：《哗众取宠》（英国）格里森·佩里
哗众取宠
6.6
[英]格雷森·佩里 / 2018 / 浦睿文化·湖南美术出版社
